Pintura del Renacimiento
Contexto y principales características:
Las raíces de la pintura renacentista se encuentran en el arte de Giotto, el gran maestro del siglo XIV. La pintura del Quattrocento (siglo XV) se diferencia claramente de la pintura gótica. Así mismo, desaparece el retablo y por eso se subordina a un conjunto, donde cada cuadro es un mundo en él mismo, sin ninguna conexión con un ámbito exterior. Por otra parte, los temas religiosos son tratados a menudo como temas profanos, sin dejar de tener una presencia constante.
El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y el sentido espacial son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista.
La luz se trabaja con más perfección, pero en general sirve para resaltar planos. En contraste con las formas planas, el pintor del Renacimiento está obsesionado por captar la profundidad. Es por eso que el paisaje se crea con pasión, con sus prados primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras.
La composición en el Renacimiento es complicada, es frecuente que haya diferentes escenas en un mismo cuadro o diferentes figuras principales.
La pintura renacentista aparece en el siglo XIV pero su máximo apogeo se produce en el siglo XV y sobretodo en XVI. En este período el color ya se trabajaba de una manera más libre, y por tanto, el dibujo y el contorno pierden la primacía. Así mismo, las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana; para conseguir el volumen el artista se sirve de muchos recursos, a parte de los sombreados; por ejemplo: el brazo delante, el busto en los retratos, etc.
La luz en la pintura renacentista adquiere una importancia nueva juntamente con las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior.
Durante el Renacimiento desaparece la obsesión por la perspectiva y, a pesar de esto, las escenas adquieren una profundidad que parece natural.
El paisaje es rico en vibraciones luminosas, donde se representa la primavera y los prados floridos dejando ser el único encuadre de las figuras; los fondos de boira, las rocas y los crepúsculos, dan cierto matiz romántico a las escenas. La composición es clara y a menudo triangular, además, las figuras se relacionan con la mirada y con las manos, donde cada cuadro representa solo una escena o se destaca la acción y la figura principal.
La luz se trabaja con más perfección, pero en general sirve para resaltar planos. En contraste con las formas planas, el pintor del Renacimiento está obsesionado por captar la profundidad. Es por eso que el paisaje se crea con pasión, con sus prados primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras.
La composición en el Renacimiento es complicada, es frecuente que haya diferentes escenas en un mismo cuadro o diferentes figuras principales.
La pintura renacentista aparece en el siglo XIV pero su máximo apogeo se produce en el siglo XV y sobretodo en XVI. En este período el color ya se trabajaba de una manera más libre, y por tanto, el dibujo y el contorno pierden la primacía. Así mismo, las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana; para conseguir el volumen el artista se sirve de muchos recursos, a parte de los sombreados; por ejemplo: el brazo delante, el busto en los retratos, etc.
La luz en la pintura renacentista adquiere una importancia nueva juntamente con las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior.
Durante el Renacimiento desaparece la obsesión por la perspectiva y, a pesar de esto, las escenas adquieren una profundidad que parece natural.
El paisaje es rico en vibraciones luminosas, donde se representa la primavera y los prados floridos dejando ser el único encuadre de las figuras; los fondos de boira, las rocas y los crepúsculos, dan cierto matiz romántico a las escenas. La composición es clara y a menudo triangular, además, las figuras se relacionan con la mirada y con las manos, donde cada cuadro representa solo una escena o se destaca la acción y la figura principal.
Los temas religiosos ocuparon la mayor parte de su pintura. En este extraordinario cuadro se contraponen la composición clasicista y los rasgos manieristas y esa extraña espiritualización de los personajes cuyas figuras se alargan.
Artistas destacados:
- El Greco: líder indiscutible del manierismo español, nacido en Creta como Domenico Theotocópulos (1541-1614) una de sus obras “El entierro del Conde de Orgaz”.
- Pedro Berruguete
- Alonso Berruguete: de formación italiana (más de 10 años), e influenciado por Miguel Ángel; sus obras son de gran expresividad y carácter manierista.
- Luis de Morales: influenciado por Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel, principalmente por sus composiciones y el detallismo flamenco.
- Juan de Flandes
Pinturas famosas:
El entierro del Conde de Orgaz (El Greco).
Virgen de la leche (Luis de Morales).
